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As for the magical aspects, it is unquestioned that a good portion of Obregón's painting reaches for a representation of the "marvelous reality" that Alejo Carpentier spoke of when referring to the scope of creation of Latin American artists. The art of the twentieth century discovered reality beyond appearances and got in touch with it. Obregón's painting points to that deeper, more essential nature, which is never limited to reproducing the tropical landscape, but transcends it to achieve evocative structures, singular forms and charged images.
As for the magical aspects, it is unquestioned that a good portion of Obregón's painting reaches for a representation of the "marvelous reality" that Alejo Carpentier spoke of when referring to the scope of creation of Latin American artists. The art of the twentieth century discovered reality beyond appearances and got in touch with it. Obregón's painting points to that deeper, more essential nature, which is never limited to reproducing the tropical landscape, but transcends it to achieve evocative structures, singular forms and charged images.


Los principales temas de la pintura de Obregón son los retratos de familiares y amigos, además de varios autorretratos, desde el muy cézanniano del pintor sentado que sostiene un pincel (1943), hasta Dédalo (1985), pasando por los Blas de Lezos (1977-1978), los animales (en una fauna interminable que incluye desde cóndores y toros hasta barracudas, mojarras y camarones, pasando por chivos e iguanas), las flores carnívoras y nocturnas, las escenas de violencia y, sobre todo, los paisajes (con claras alusiones al mar, a las playas, a las tempestades, a los eclipses y, especialmente, a los vientos). Estos temas son recurrentes y por lo tanto no tienen una ordenación cronológica. Como bien dijo el artista, más que motivos específicos sus cuadros aluden a “drama, catástrofe, registro de vida, reportaje y un poco de todo”.
The main themes of Obregón's paintings are portraits of family and friends as well as several self-portraits, from a very Cézannian one of the painter sitting while holding a brush (1943), to Daedalus (Dédalo, 1985), and Blas de Lezos (1977-1978); animals, an endless fauna that spans the range from condors and bulls to barracudas, mojarras, and shrimp, goats and iguanas; carnivorous and nocturnal flowers; scenes of violence; and, above all, landscapes, with clear allusions to the sea, beaches, storms, eclipses, and especially winds. These themes recur and therefore do not present themselves in chronological order. As the artist rightly said, more than specific motifs, his paintings refer to "drama, catastrophe, a record of life, reportage, and a little bit of everything."


===Obras destacadas===
===Obras destacadas===

Revisión del 17:13 16 sep 2021

Otros idiomas:
Alejandro Obregón
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Retrato de Alejandro Obregón, por Hernán Díaz
Datos generales
Nombre Alejandro Jesús Obregón Rosés
Fecha de nacimiento 04 de junio de 1920
Nacionalidad Colombiana Bandera de Colombia }}
Ocupación Pintor
Formación profesional Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston. Llotja de Barcelona
País de nacimiento España
Ciudad de nacimiento Barcelona
Fecha de fallecimiento 11 de abril de 1992
País de fallecimiento Colombia
Ciudad de fallecimiento Cartagena
Familia Rodrígo Obregón (hijo), Silvana Obregón (hija) Sonia Osorio (Cónyuge).


Alejandro Jesús Obregón Rosés was a painter born in Barcelona in 1920, son of the Colombian Pedro Obregón and the Catalan Carmen Rosés. He died in Cartagena in 1992. Alejandro Obregón was always deeply linked to the Colombian Caribbean. Although he studied at the School of the Museum of Fine Arts in Boston and at the Llotja in Barcelona, his training was marked by a rejection of academicism. Obregón preferred instead the autonomous education of artists from Francisco de Goya, Paul Cézanne, Pablo Picasso, and the Mexican muralists..

Biography

His prolific career has been commonly associated with Abstract Expressionism, exploring themes approaching political and social criticism, still lifes, and Colombian nature. Obregón's work, which encompasses the production of easel paintings, murals, cultural management, and education, is considered one of the most relevant and influential in Colombian modern art. Marta Traba, the best critic of his work, wrote in 1961: "The arrival of Obregón to Colombian painting places us before the first talented Colombian painter in this century [...] The artist's work shows clear development and its evolution is full of indications that unequivocally demonstrate the alliance of talent and hard work."

Artistic Career

Early career

Alejandro Obregón remained in the city of Barcelona until 1944, where he presented an individual exhibition. On his return to Colombia, he settled in Bogotá, where he would share a studio with Ignacio Gómez Jaramillo. Recently arrived from Europe, he debuted in the Colombian art world at the V National Artists’ Salon, with the oil paintings Naturaleza muerta (Still Life), Retrato del pintor (Portrait of the Painter), and Niña con jarro (Girl with a Jar). Since then, his name remained in the foreground and his works continue to be exhibited with great commercial success. In 1945 at the IV National Artists Salon, Obregón began to reveal what would be his signature, his energetic, free, bold strokes. In 1947, a retrospective exhibition was held at the Gregorio Vásquez Hall of the National Library in Bogotá with 62 of his works, where the diversity of gray tones can be appreciated. His themes revolved around self-portraits, female heads, and landscapes. The characteristics of his works and his legacy to art became evident in 1947 when he included fishes, barracudas, and events from the early bipartisan violence in Colombia. From then on, his work was recognized as belonging to Magical Expressionism. By the year 1948, "a peak year under the sign of Alejandro Obregón" (in the words of historian and art critic Walter Engel), the historical-social context of Colombia was already appearing in his work, and the tragedy of April 9 and the violent events in the country were addressed by the artist. This period the artist referred to as his "dark" period where brown, blue, dark gray, and black colors are dominant, in addition to references to Pablo Picasso. Obregón was appointed director of the School of Fine Arts in Bogotá in the same year, and also led the organization of several art salons. He later traveled to France with his wife Sonia Osorio. When he returned several years later in 1955, he began a series of symbolic still lifes, with themes of death and mourning. In these works, we can locate the symbols of the bull and the condor.

Artistic Career

Obregón's artistic career can be divided into approximately four periods. The first, 1942-1946, was a period of training. In this period his painting is contradictory and full of hesitation; his production oscillates between a naturalism with academic recollections and a forced expressionism. The second, 1947-1957, is of stylistic definition and a first maturity. With memories of Cubism, Obregón made miraculously balanced compositions in which he articulated numerous planes in many ways, sometimes with transparency, on neutral backgrounds that also include more or less evident planes. Some of his characteristic motifs appear here already, as well as some of his masterpieces: Puertas y el espacio (Doors and Space), 1951, Bodegón en Amarillo (Still Life in Yellow), 1955, Greguerías y camaleón (Turmoil and Chameleon), 1957

The third period, 1958-1965, is that of full maturity. During these years, Obregón was not only the most influential painter in the country, the paradigm of the new and modern, the most admired and laude—twice winning the first prize for painting at the National Artists’ Salon in 1962 and 1966 with the oils Violencia e Ícaro (Violence and Ícaro) and Las avispas (The Wasps), respectively—but also its highest representative at a continental level. Obregón, already possessing a very personal, expressionist and Americanist style, produced many canvases with his open and vigorous forms in a space without limits, alluding to the greatness and fertility of the continent. Outstanding paintings from this period include Naufragio (Shipwreck), 1960, La trepadora (The Vine), 1961, El mago del Caribe (The Caribbean Magician), 1961, Homenaje a Gaitán Durán (Homage to Gaitán Durán), 1962 [see Volume 6, p. 125], Violencia (Violence, 1962), Volcán submarine (Underwater Volcano) 1965, and Flor de paramo (Moorland Flower), 1965.

The last period began in 1966. From that year until the year of his death, Obregón's painting insisted on an effusive and romantic style and on obsessive themes. As Juan Gustavo Cobo wrote: "His motifs haunt him, they fade away, reappear, merge." Working in series, Obregón painted Anunciaciones (Annunciations), Floras, Ángelas, Violadas (Raped), Zozobras (Perils), Memorias de Grecia (Memoreis of Greece), Magos de la Popa (Magicians of La Popa), Blas de Lezos, Cosas de la luna (Moon Things), Bachués, Leyendas de Guatavita (Legends of Guatavita), Paisajes de Cartagena (Cartagena Landscapes), Amazonias, Copas y océanos (Crowns and Oceans), and Vientos (Winds), an incomplete list. Although he did not accept it ("I think oil is completely obsolete. Acrylic is the medium of the twentieth century."), Obregón was not able to infuse his later works with the mystery and strength of his oil paintings before 1966, the year he started working with acrylic.

However, there are still important works from this period, because Obregón was undoubtedly a talented and imaginative painter. It is obvious that he is at his best when he controls his effusiveness and maintains his mastery of each brushstroke, as well as the colors. Obregón made numerous works that dealt with violence in Colombia, from the 1948 oil painting Masacre 10 de abril (April 10 Massacre) to the acrylic diptych of 1982, Muerte a la bestia humana y Victoria de la paz (Death to the Human Beast and Victory of Peace), executed after the murder of Gloria Lara, to the 1962 oil painting Violencia (Violence), of which Marta Traba wrote: "The terrible sincerity of Violence comes from this: that Obregón painted it because it could no longer be postponed and it was necessary for him to do so. But if this explains the true pathos of his painting, it does not account for the serious and tense beauty of his means of achieving it. Obregón painted the reclining woman in the midst of a large gray space: he solemnly modulated the gray, as if officiating a silent funeral rite, without allowing it a single discordant note. He squeezed it into the enormous gravid figure and unwound it into the landscape, until the dead creature was integrated into that generalized sadness, into that iniquitous, inexplicable fatality.” In addition to his innumerable easel paintings, Obregón created several murals.**

Características de su obra

Obregón's painting is characterized by its expressionism and magical sensibility. As for the former quality, it is worth remembering these words of Vincent van Gogh: “Instead of trying to render exactly what I have before my eyes, I use color more arbitrarily in order to express myself forcefully.” This may be applied to Obregón's work, in which creative fantasy and emotional elements are dominant. Obregón recreated reality in most of his paintings, harmoniously transforming the landscape, modifying the human figure—always in service of the painting itself—and used color to express his emotions.

As for the magical aspects, it is unquestioned that a good portion of Obregón's painting reaches for a representation of the "marvelous reality" that Alejo Carpentier spoke of when referring to the scope of creation of Latin American artists. The art of the twentieth century discovered reality beyond appearances and got in touch with it. Obregón's painting points to that deeper, more essential nature, which is never limited to reproducing the tropical landscape, but transcends it to achieve evocative structures, singular forms and charged images.

The main themes of Obregón's paintings are portraits of family and friends as well as several self-portraits, from a very Cézannian one of the painter sitting while holding a brush (1943), to Daedalus (Dédalo, 1985), and Blas de Lezos (1977-1978); animals, an endless fauna that spans the range from condors and bulls to barracudas, mojarras, and shrimp, goats and iguanas; carnivorous and nocturnal flowers; scenes of violence; and, above all, landscapes, with clear allusions to the sea, beaches, storms, eclipses, and especially winds. These themes recur and therefore do not present themselves in chronological order. As the artist rightly said, more than specific motifs, his paintings refer to "drama, catastrophe, a record of life, reportage, and a little bit of everything."

Obras destacadas

Sobre las obras que combinaban una experimentación estética con la realidad del momento se destacan "Masacre del 10 de abril", que demuestra la fuerte influencia de Picasso, en la obra de esta época. Así como “El estudiante muerto” (1957) y “Luto por un estudiante” (1957), que aluden a los hechos ocurridos en el gobierno del general Gustavo Rojas Pinilla y el “Homenaje al cura Camilo” (1968). Por otro lado, en las obras que dan cuenta de su fascinación por la naturaleza colombiana se destacan “Pez Dorado” (1947), “Nube Gris” (1948), “Ganado ahogándose en el Magdalena” (1955), “Cóndor de los Andes” (1959) y “Toro-Cóndor” (1960) Sobre los murales, en Bogotá tiene varios, algunos en casas privadas, otros en lugares públicos. El más sobresaliente es el mural de la Biblioteca Luis Ángel Arango (1959). Marta Traba escribió aquel año: “La creación de espacios, determinados sea por las intersecciones de planos, sea por el manejo de tonos, es lo más notable de este fresco de Obregón”. No hay, con excepción de algunos objetos reconocibles (tintero, libros, cuchillo), intención figurativa y, por lo tanto, el público debe renunciar a comprender un sentido real que ha sido superado por la intención creadora de espacios y por las relaciones de colores” No se sabe dónde abre comillas ni de dónde o quién es la cita. El mural de la Biblioteca es una obra rica y diversa, en ella son sobresalientes, además de sus múltiples espacios, la estructura de todas las formas y el colorido variado pero asordado y severo, un ejemplo de las obras maestras de sus mejores momentos. Del decenio de los ochenta son: La galerna, del Centro de Convenciones de Cartagena, Amanecer en los Andes, de la sede de las Naciones Unidas de Nueva York y el que exorna el Salón Elíptico del Capitolio Nacional de Bogotá [Ver el tomo físico 6, Arte, pp. 125 y 126].

Violencia (1962): obra fundamental de la historia del arte colombiano

En 1962 la pintura Violencia (1962) ganó el primer premio de pintura en el Salón Nacional de Artistas, generando una evolución y un punto de inflexión no sólo en el trabajo de Alejandro Obregón sino también en el arte moderno colombiano. En esta obra se funden los géneros clásicos del paisaje y el desnudo al representar a una mujer embarazada que yace muerta y mutilada en una especie de limbo, gris y sombrío, con su seno izquierdo erguido y su seno derecho completamente cercenado; su cuerpo, su seno y su rostro se levantan simulando una cadena de montañas. Violencia utilizaría la figura humana como soporte expresivo y de experimentación para simbolizar de una manera profunda y metafórica el territorio colombiano que para la época ya había vivido la violencia bipartidista, el régimen militar de Gustavo Rojas Pinilla, y afrontaba la cruda realidad del Frente Nacional.

Violencia no evidencia un hecho histórico en concreto, aunque Obregón la produce en el momento en que surgen informes como “La violencia en Colombia” de Eduardo Umaña Luna, Orlando Fals Borda y el monseñor Germán Guzmán Campos sobre la situación de las zonas más afectadas por la guerra bipartidista. Marta Traba, importante crítica de arte para la época, describiría el cuadro como “absolutamente gris, absolutamente sordo, absolutamente silencioso: por vez primera la tragedia tiene un intérprete a su inmensa medida”, frase que pareciera seguir vigente ante la guerra que no tiene fin en el país[1].

De igual manera surgirían, junto a Obregón, varios artistas interesados en desarrollar una corriente crítica en la pintura colombiana a través del cuerpo humano, como Carlos Granada, Fernando Botero, Pedro Alcántara, Norman Mejía, Luis Caballero e incluso artistas más jóvenes como Lorenzo Jaramillo. Violencia ha sido estudiada desde diferentes perspectivas de curadores e investigadores del arte, como Marta Traba, Álvaro Medina, Juan Gustavo Cobo Borda, Eugenio Barney-Cabrera, Eduardo Serrano, Carmen María Jaramillo, Nicolás Gómez, entre otros.

Otras publicaciones sobre “Violencia” en banrepcultural

Obras

  • 1939: Jarro azul
  • 1947: Pez Dorado
  • 1945: Composición nocturna
  • 1948: Masacre 10 de Abril
  • 1952: Máscaras
  • 1954: Gato comido de pájaros
  • 1955: Ganado ahogándose en el Magdalena
  • 1956: Estudiante muerto (Velorio)
  • 1958: Alegoría al libro
  • 1959: Cóndor Toro
    • 1959: Cóndor de los Andes
  • 1962: Violencia
  • 1965: Jardín Barroco
  • 1968: Homenaje a Camilo Torres
  • 1970: Anunciatas
  • 1979: Blas de Lezo (Autorretrato)
  • 1982: Muerte de la Bestia Humana
  • 1983: Amanecer en los Andes
  • 1985: Detalles de un océano

Cronología

  • 1920: nace en Barcelona, España.
  • 1939-1940: ingresa al School of the Museum of Fine Arts en Boston.
  • 1940-1944: se instala en Barcelona. Estudia por cuatro días en La Llotja, escuela catalana de arte inscrita a la Academia de San Fernando en Madrid.
  • 1944: viaja y se instala en Bogotá. Participa por primera vez en el V Salón Nacional de Artistas de Colombia. Es profesor de la Escuela de Bellas Artes en Bogotá.
  • 1945: realiza su primera exposición individual en la Biblioteca Nacional de Colombia en Bogotá.
  • 1946: se instala en Barranquilla e ingresa a ser profesor en una escuela local. Gana el primer premio en el Salón de Artistas Costeños.
  • 1948-1949: es director de la Escuela de Bellas Artes de Bogotá.
  • 1949: participa en la exposición “32 Artistas de las Américas” en el Museo Nacional de Colombia en Bogotá.
  • 1949-1954: se instala en Francia. Expone en la Galerie Greuse, París y en la Unión Panamericana en Washington.
  • 1955: regresa a Colombia. Obtiene el segundo premio en el Salón Nacional, en el Centro Artístico de Barranquilla con el óleo Gato comido de pájaros (1954).
  • 1956: su obra Ganado ahogándose en el Magdalena (1955) es premiada en la Exposición del Caribe en Houston.
  • 1957: comparte con Fernando Botero y Jorge Elías Triana el segundo premio en Pintura del X Salón de Artistas Colombianos, con el óleo Luto por un estudiante muerto (1956).
  • 1958: obtiene el primer premio en la Bienal Hispanoamericana en Madrid.
    • 1958: realiza el mosaico Tierra, agua y aire en cerámica para el edificio Misrachi en Barranquilla.
  • 1959: gana el primer premio del Salón Anual de Barranquilla. Realiza el mural Alegoría del libro (1959) para la Biblioteca Luis Ángel Arango en Bogotá. Representa a Colombia en la V Bienal de São Paulo junto con Enrique Grau, Fernando Botero, Eduardo Ramírez Villamizar, Armando Villegas y Guillermo Wiedemann, recibiendo una Mención de honor.
  • 1960: expone en el Salón Guggenheim en Nueva York.
  • 1962: gana el Premio Nacional de Pintura en el XV Salón Nacional de Artistas de Colombia con la obra La violencia (1962).
  • 1966: obtiene nuevamente el Premio Nacional de Pintura en el Salón Nacional de Artistas de Colombia.
  • 1967: se convierte en director del Museo de Arte Moderno de Bogotá. Representa a Colombia en la Bienal de São Paulo.
  • 1969: participa en la película Queimada del director Gillo Pontecorvo.
  • 1970: es condecorado con la Orden de San Carlos por el presidente de Colombia Misael Pastrana.
  • 1971: pinta Cóndor para el Salón de Sesiones del Consejo de Ministros, Bogotá.
  • 1973: pinta para el Banco de Colombia en Bogotá, en la Plaza San Martín el mural Sombra larga y música de días en homenaje al poeta José Asunción Silva.
  • 1977: expone en la muestra “La Plástica Colombiana en el siglo XX” de La Casa de las Américas en La Habana, Cuba.
  • 1982: realiza el mural Galerna para el Centro de Convenciones de Cartagena.
  • 1983: realiza el mural Amanecer en los Andes para el edificio de las Naciones Unidas en Nueva York.
  • 1985: expone su muestra “Obregón, Pintor Colombiano” en la Maison de l’Amérique Latine en París. Expone en la muestra “Cinco Artistas Colombianos” del Museo de Arte Latinoamericano (OEA) en Washington.
  • 1986: pinta el mural Victoria de tres cordilleras en el Salón Elíptico del Capitolio Nacional de Bogotá. Expone su serie Desastre en la Ciénaga en el Museo de Arte Moderno de Bogotá
  • 1990: expone su serie Vientos en la Galería El Museo en Bogotá. Expone en el Museo de Arte Fuji en Tokio, Japón. Expone en el Museo de Arte Moderno de Bogotá con la muestra “Cinco Décadas”, la cual viaja al Museo de Monterrey y al Museo de Arte Moderno de México.
  • 1991: realiza su exposición retrospectiva en el Centro Cultural Consolidado de Caracas.
  • 1992: fallece en Cartagena y es sepultado en el mausoleo de la familia Obregón en el cementerio Universal de Barranquilla.

En la Colección de Arte del Banco de la República

Obras de Alejandro Obregón en la Colección de Arte
Título Año Ubicación Denominación Registro
LAGUNA DE SATURNO 1961 Bogotá, Centro Cultural de Bogotá, Museo de Arte Miguel Urrutia (MAMU), Exposición Permanente de la Colección de Arte Pintura AP0231
DOS CÓNDORES 1945 Reserva Grabado AP0398
BARRACUDA 1945 Reserva Grabado AP0399
ÍCARO CALCINADO 1967 Reserva Pintura AP0401
LES COLOMBES 1953 Reserva Grabado AP0537
EL GRITO DE GALÁN (DEL PORTAFOLIO GRAFICARIO DE LA LUCHA POPULAR EN COLOMBIA 1977 Reserva Grabado AP0832
SIN TÍTULO (DEL PORTAFOLIO COLOMBIA-ECOLOGÍA, LA GACETA II) 1978 Reserva Grabado AP0945
SIN TÍTULO 1959 Reserva Mural AP1313
LA VIOLENCIA 1945 Bogotá, Centro Cultural de Bogotá, Museo de Arte Miguel Urrutia (MAMU), Exposición Permanente de la Colección de Arte Grabado AP1637
BOCETO PARA UN CÓNDOR 1969 Reserva Grabado AP2048
HOMENAJE A JORGE GAITÁN 1962 Reserva Pintura AP2051
TOLDO Y BODEGÓN 1945 Bogotá, Centro Cultural de Bogotá, Museo de Arte Miguel Urrutia (MAMU), Exposición Permanente de la Colección de Arte, Clásicos, experimentales y radicales Pintura AP2052
VIOLENCIA 1962 Bogotá, Centro Cultural de Bogotá, Museo de Arte Miguel Urrutia (MAMU), Exposición Permanente de la Colección de Arte, Clásicos, experimentales y radicales Pintura AP3848
CÓNDOR 1989 Reserva Grabado AP3948
ESTUDIO PARA VIOLENCIA 1962 Bogotá, Centro Cultural de Bogotá, Museo de Arte Miguel Urrutia (MAMU), Exposición Permanente de la Colección de Arte, Clásicos, experimentales y radicales Pintura AP4817
BODEGÓN CON PEZ 1948 Bogotá, Centro Cultural de Bogotá, Museo de Arte Miguel Urrutia (MAMU), Exposición Permanente de la Colección de Arte Pintura AP4967
APUNTE PARA LA VIOLENCIA 1962 Bogotá, Centro Cultural de Bogotá, Museo de Arte Miguel Urrutia (MAMU), Exposición Permanente de la Colección de Arte Pintura AP5131
LA MESA 1947 Bogotá, Centro Cultural de Bogotá, Museo de Arte Miguel Urrutia (MAMU), Exposición Permanente de la Colección de Arte Pintura AP5171
LA SILLA ROJA 1947 Bogotá, Centro Cultural de Bogotá, Museo de Arte Miguel Urrutia (MAMU), Exposición Permanente de la Colección de Arte Pintura AP5175

Bibliografia

  • Obregón, A. (1974). Aire, mar, paisaje, diálogos. Museo de Arte Moderno, Bogotá.
  • Obregón, A. (1983). Obra reciente. Galería Quintana, Bogotá.
  • Barney Cabrera, E. (1970). "El itinerario de Alejandro Obregón". En: Temas para la historia del arte en Colombia. Bogotá, Universidad Nacional, 1970.
  • Del Castillo, R. (1993). Las mujeres de Obregón. Bogotá: Tercer Mundo.
  • Cobo Borda, J,G. (1985). Obregón. Bogotá: Editorial La Rosa.
  • Medina, A. (1978). "Alejandro Obregón". En: Procesos del Arte en Colombia. Bogotá: Colcultura.
  • Panesso, F. (1975). Los Intocables. Bogotá: Ediciones Alcaraván.
  • Panesso, F. (1989). Alejandro Obregón ¡A la visconversa! Conversaciones junto al mar. Bogotá: Gamma.
  • Traba, M. (1963). Seis artistas contemporáneos colombianos. Bogotá: Antares.
  • Traba, M. (1985). "Comienzo de la pintura moderna: Alejandro Obregón". En: Historia abierta del arte colombiano. Cali, Museo de Arte Moderno La Tertulia, 1974. 2á ed.: Bogotá: Colcultura.
  • Varios. (1985). Alejandro Obregón, pintor colombiano. Bogotá: Colcultura.
  • Jaramillo, C. M., & Suárez, S. (2017). Clásicos, experimentales y radicales. En C. d. República, Cinco Miradas, Cinco Siglos. Bogotá: Banco de la República.
  • mcarts. (s.f.). Alejandro Obregón, vida y obra. Obtenido de mcarts: https://www.mcarts.com/obregon/bio/index.html
  • Medina, Á. (1978). Procesos del arte en Colombia. Bogotá: Inst

Colección de arte del Banco de la República

Enlaces relacionados en Banrep cultural

  • [1] Conozca la página dedicada a Alejandro Obregón en el libro Inicios del arte moderno en Colombia.
  • [2] Recorra la cronología de la vida y obra de Alejandro Obregón, publicada en el Diccionario Colombiano de Artistas de Carmen Ortega Ricaurte.

[3] Lea sobre y conozca la pintura Violencia (1962) de Alejandro Obregón.

  • [4] Lea la noticia de blog "Dos bocetos de Violencia de Alejandro Obregón", obras que hacen parte de la Colección de Arte del Banco de la República.
  • [5] Lea la reseña biográfica que hace Álvaro Medina sobre Obregón en su libro Procesos del arte en Colombia.
  • [6] Lea el artículo "Alejandro Obregón. Caballero solo" de Hernando Valencia Goelkel, publicado en su libro Oficio Crítico.
  • [7] Consulte el artículo de Credencial Historia "Violencia", por Álvaro Medina.
  • [8] Vea La Violencia, de Alejandro Obregón Rosés, en nuestra página especial "Una mirada a la colección".

Véase También

Referencias

  1. Marta Traba, citada en Nicolás Gómez Echeverri, “Alejandro Obregón Violencia (1962)”,http://www.banrepcultural.org/blaavirtual/textos-sobre-la-coleccion-de-a... republica/alejandro-obregon/violencia

Créditos

  • Investigación y texto: Germán Rubiano Caballero

Esta biografía fue tomada de la Gran Enciclopedia de Colombia del Círculo de Lectores, tomo de biografías

  • Mónica Piragauta Roldán, mediadora de los Museos y colecciones del Banco de la República, para Banrepcultural.
  • Revisión y edición de textos: Inti Camila Romero Estrada y Diana Marcela Salas Solórzano. Servicios al Público y Educativos, Unidad de Arte y Otras Colecciones (UAOC)